Londres : “Afrofuturisme”, quand des artistes visionnaires créent “Afrotopia”, une utopie noire

Les mythes anciens, la magie, l’histoire et la science-fiction inspirent un royaume afrofuturiste exaltant et fantastique dans une nouvelle exposition. Arwa Haider s’entretient avec les artistes concernés.

L’intérieur frais de la Hayward Gallery de Londres semble se déployer en mondes alternatifs dès que l’on y met les pieds : on passe des combinaisons sonores en technicolor de Nick Cave aux images à la texture luxuriante de Lina Iris Viktor, aux communions hyperréalistes de Chris Ofili, aux histoires saisissantes de jeux d’ombres de Kara Walker, aux aperçus d’espoir et de nostalgie de Cauleen Smith, aux paysages flamboyants de Sedrick Chisom, et bien au-delà.

Tableaux d'art

Dans le Fantastique Noir

C’est ce que propose In the Black Fantastic, une nouvelle exposition réunissant 11 artistes internationaux pluridisciplinaires, dont les visions très variées offrent également de nouvelles perspectives sur notre réalité.

Pour moi, le Fantastique Noir est une invitation à plonger directement dans le pouvoir noir et la magie noire, et à partager le travail d’un espace moins tangible et plus spirituel “- Nick Cave

La prémisse est naturellement vaste, couvrant le passé, le présent et l’avenir, et Eshun admet que cette collection expansive aurait pu facilement être encore plus grande.

“Dans le Fantastique Noir” relève ce défi de tout cœur ; il est exaltant de voir comment ses thèmes s’accordent avec chacun de ces artistes très différents (qui occupent chacun leur propre salle), et les points de connexion et de direction qu’ils nous offrent.

Le “portail d’entrée” de l’exposition est occupé par Nick Cave, sculpteur et artiste de performance basé à Chicago, dont les œuvres vibrantes et imposantes semblent activer notre voyage dans une autre dimension.

Conception de Nick Cave

Il y a une présence chamanique, plus grande que nature, dans Soundsuit (2014) du sculpteur américain Nick Cave

“Le Black Fantastic pour moi est une invitation à sauter directement dans le pouvoir noir et la magie noire, et à partager le travail d’un espace moins tangible et plus spirituel”, dit Cave à BBC Culture.

“C’est un espace libre plein de potentiel et de possibilités et de lumière, alimenté par le passé et tous les défis, les luttes et les difficultés qui ont été mis en place par d’autres qui ont instigué la force.”

Cave a précédemment parlé de la création d’art avec un sens de la “responsabilité civique”.

Ici, sa sculpture Chain Reaction présente des moulages reliés entre eux du propre bras de l’artiste, chaque main s’agrippant à la suivante, dans une déclaration emphatique de soutien et de survie.

Son œuvre murale aux reflets brillants est une collaboration avec son partenaire Bob Faust.

Les Soundsuits de Cave ont une présence plus grande que nature ; cette série prolifique a débuté en 1992, en réaction aux images filmées des officiers du LAPD brutalisant le civil noir Rodney King – l’acquittement des officiers a conduit aux émeutes de Los Angeles.

Ses créations artisanales ultérieures semblent à la fois chamaniques et spatiales, comme le clinquant Soundsuit 2014, ou sa dernière œuvre, Soundsuit 9.29 (une allusion à la durée du meurtre de George Floyd par la police).

“Je n’ai jamais eu l’intention de faire une sculpture portable comme une réponse ; c’était plutôt une réaction à ce que je ressentais sur le moment”, dit Cave.

“Ce n’est que bien plus tard que j’ai réalisé que la sculpture de brindilles [1992] pouvait être portée et produire des sons par le biais des mouvements du corps”.

“Elle est devenue une seconde peau pour masquer la race, le genre et la classe, mais aussi pour attirer l’attention et servir d’armure”.

“Je ne dirais pas que faire ce travail est plus libérateur avec le temps ; c’est plus urgent, et parfois intense, car nous avons fait des progrès à certains égards et aucun à d’autres. Je me rends compte que je dois continuer à faire un travail capable de répondre à l’instant présent selon les besoins ; parfois, c’est beau et ambigu, et d’autres fois, c’est carrément dans la gueule du loup”.

Femme noir

L’installation cinématographique The End of Eating Everything (2014) de Wangechi Mutu évoque une dimension mythique.

La collision des matériaux et des formes d’art déclenche ici une énergie hypnotique.

L’artiste américano-kényane Wangechi Mutu collabore avec l’auteur-compositeur-interprète Santigold pour son installation cinématographique The End of Eating Everything (2014), d’un sinistre splendide.

Les mashups numériques et sculpturaux de l’artiste américain Rashaad Newsome mettent en lumière les communautés LGBTQ+ et la culture des salles de bal ; sa vidéo Build or Destroyvideo (2020) ressemble à une sorte de smash hit pop incendiaire.

Les installations de l’artiste Tabita Rezaire, née à Paris et installée à Cayenne, opposent les “normes” sociales modernes à une variété d’identités précoloniales.

Les vastes toiles chatoyantes de la peintre américaine Ellen Gallagher évoquent une histoire dévastatrice et une mythologie déchirante : elles dépeignent une Atlantide noire peuplée d’enfants de femmes enceintes réduites en esclavage et jetées par-dessus bord lors des traversées des colonisateurs entre l’Afrique et les Amériques (le nom de ce royaume sous-marin, Drexciya, a également été conçu par un duo techno de Détroit des années 1990).

Un univers fantastique

Il y a ici un dialogue fluide, qui examine souvent l’étrangeté de la réalité à travers des conceptions idéalisées ou de science-fiction (ce qui donne lieu à des termes comme Afrotopia ou Afrofuturisme), et qui influence de plus en plus la culture pop contemporaine.

Les couloirs de la Hayward Gallery sont reliés entre eux par des citations d’Octavia E Butler, pionnière du roman de science-fiction, et du psychiatre/philosophe Frantz Fanon, tandis que In the Black Fantastic s’étend aux salles voisines de la South Bank de Londres, avec des programmes de cinéma et de spectacles vivants.

Un livre d’accompagnement présente également l’imagerie expérimentale d’artistes de la musique mondiale, de Miles Davis à Sun Ra, en passant par Beyoncé, Janelle Monae et Baloji.

Souvent, ces artistes apparaissent intensément présents dans les œuvres, comme l’artiste britanno-libérienne Lina Iris Viktor, dont les séries d’autoportraits (y compris un nouveau triptyque) et les sculptures confrontantes, complexes et séduisantes évoquent son propre royaume atmosphérique, In the Black Fantastic.

Eleventh (2018) de Lina Iris Viktor

Eleventh (2018) de Lina Iris Viktor – son œuvre ” élève l’idée de noirceur à un royaume fantastique “.

“J’ai trouvé que [le Fantastique noir] était un concept magnifique, tant sur le plan académique que personnel”, déclare Viktor.

“Pour moi, c’est l’élévation de cette idée de la négritude à un domaine fantastique, qui ne doit pas nécessairement être anathème à la vie quotidienne de la négritude. J’aime jongler avec cette idée du “microcosme” : les choses banales avec lesquelles nous nous débattons dans la société, ainsi que les conversations beaucoup plus larges.”

Les perspectives de la diaspora, l’immédiateté émotionnelle et la gamme créative des matériaux “ordinaires” sont des éléments clés de In the Black Fantastic.

Dans le cas de Viktor, sa vision du monde est également influencée par son éducation en Grande-Bretagne et aux États-Unis, ainsi que par sa formation dans une école internationale : “pour moi, les frontières sont restrictives – et cela va au-delà de notre époque contemporaine, dans les cultures et les histoires anciennes. Lorsque les êtres humains communiquent par le biais de symboles ou de modes préverbaux, ils transcendent en quelque sorte cette idée de lieu.”

L’œuvre de Viktor projette les puissantes fréquences de la couleur : le ” bleu Klein ” profondément hypnotique, les rouges richement méditatifs, les embellissements en or 24K.

“Je ne suis pas une grande fan des galeries de “murs blancs” et de l’idée que le blanc est une toile vierge et pure ; je ne pense pas non plus que ce soit vrai”, dit-elle.

“J’aime toujours saturer le spectateur de couleurs, et laisser celles-ci travailler en tandem avec l’espace”.

Elle a soutenu que dire sa vérité est la liberté ultime ; elle réfléchit que la reconnaissance du grand public présente ses propres obstacles. “Il y avait une certaine naïveté avant ; on se sentait très pur et sincère”, dit-elle.

“Aujourd’hui, on se concentre davantage sur le processus, mais en même temps, votre travail d’artiste consiste à maintenir une communication claire. J’adore cette citation de Martha Graham [chorégraphe du XXe siècle] : “vous devez rester ouvert et conscient des pulsions qui vous motivent. Gardez le canal ouvert”.

Mon travail porte sur les couches, l’histoire et le sens, au sens propre comme au sens figuré ; on peut les décortiquer, petit à petit – Hew Locke

Les créations de l’artiste guyanais Hew Locke créent un lien entre ce qu’il décrit comme “des histoires alternatives, des possibilités alternatives, des mondes alternatifs”.

Chacune de ses œuvres ressemble à un microcosme, révélant de plus en plus de détails au fur et à mesure que l’on s’approche.

Ses sculptures équestres, les Ambassadeurs, se déplacent en formation, chacune portant des insignes élaborés : médailles, coiffures, portraits miniatures.

Les Ambassadeurs (2021) de Hew Locke

Les Ambassadeurs (2021) de Hew Locke sont, selon l’artiste, “les représentants d’un monde perdu, transportant leur histoire avec eux”.

“Mon travail porte sur la stratification, de l’histoire et du sens, au sens propre comme au sens figuré ; vous pouvez l’éplucher, petit à petit”, explique Locke à BBC Culture.

“Il s’agit d’utiliser des matériaux de base quotidiens et bon marché, mais d’essayer de les transformer en quelque chose de beaucoup plus, vous savez… Les ambassadeurs sont devenus des sortes de représentants d’un monde perdu, transportant leur histoire avec eux.”

Locke lui-même apparaît sous diverses apparences, pour une série de photographies vivantes intitulée How Do You Want Me ? (2007) : “je suis en costume, j’incarne des personnages qui jouent leurs propres mini-psychodrames ; ils essaient de devenir plus puissants, dans un monde imaginaire qu’ils ont créé.”

Son art nous attire irrésistiblement vers l’ampleur “complexe et désordonnée” de l’histoire humaine et des récits subjectifs. “Je fais un travail qui parle du passé, pour refléter ce qui se passe aujourd’hui”. “Dans le Fantastique Noir” semble évoquer un réveil créatif, pourtant ces artistes sont libérés des tendances éphémères.

Nombre d’entre eux, dont Locke, ont passé des années à réaliser leurs visions de manière indépendante avant de les mettre en lumière dans de grandes institutions (une autre des installations vivantes de Locke, The Procession, est exposée à la Tate Britain jusqu’en janvier 2023, et il présentera sa nouvelle œuvre pour le Met Museum Façade de NY en septembre prochain.

Tableau

Les paysages flamboyants et fantastiques de Sedrick Chisom sont typiques de l’étrangeté et de la beauté de l’art afrofuturiste.

Le grand public aurait pu considérer ces œuvres comme étant “en avance sur leur temps” (trop entêtantes, trop audacieuses, trop difficiles à cerner) ; en fait, elles sont dynamiquement de leur temps et ont le potentiel de nous mener vers de nouvelles découvertes.

“D’aucuns prétendent que cette adhésion au mythe ou à la fiction spéculative est une forme d’évasion”, déclare Eshun.

“Le Fantastique Noir est un territoire dans lequel les artistes peuvent explorer et exprimer leur façon de voir les nuances, l’étrangeté et les possibilités qui découlent du simple fait d’être noir. C’est une voie vers toutes sortes d’histoires et de mémoires collectives, d’expériences douloureuses et de traumatismes, mais c’est aussi une voie vers des articulations extraordinaires de beauté et de possibilités”. Dans le Fantastique Noir est présentée à la Hayward Gallery, à Londres, jusqu’au 18 septembre 2022. Un livre d’accompagnement d’Ekow Eshun est publié par Thames & Hudson.

BBC